... sind ein Ereignis. Sie schaffen ein Gemeinschaftserlebnis, sind eine einmalige Momentaufnahme und wecken ein Gefühl, das Tonträger nur schwer transportieren können. Wie jedes Jahr um diese Zeit können wir ihnen einen randvollen Veranstaltungskalender On Tour präsentieren, mit ausgewählten Akustikgitarristen wie Jackson Browne, den wir zudem in einem ausführlichen Porträt vorstellen. Auch Al Di Meola, Thema unserer Titel-Story, war gerade in Deutschland unterwegs - ein Gitarrist, dessen famose Technik außer Zweifel steht. Das Weltmusikprojekt World Sinfonia und die Arbeit mit Orchester sind Facetten von Mr. Di Meolas Karriere, die wir im ausführlichen Interview Revue passieren lassen.

Einer der thematischen Schwerpunkte dieser Ausgabe ist der Blues. Im zweiten Teil der Serie Acoustic Blues Masters gehen wir zurück zu den Ursprüngen des 12-Takt-Genres – kombiniert mit drei Workshops zur Musik von Mississippi John Hurt (S. 114), Lonnie Johnson (S. 115) und Big Bill Broonzy (S. 116). Und schließlich präsentieren wir ihnen den Gewinner unseres Blues Solo Contest – wir gratulieren!

Natürlich gibt es auch in dieser Ausgabe wieder Workshops aller Stile und Schwierigkeitsgrade – insgesamt 15 an der Zahl. Hervorheben möchten wir Ulli Bögershausens Vorstellung von ‚Anji‘ – Davey Grahams Fingerstyle-Hit, der Generationen von Gitarristen begeistert und beeinflusst hat. Besonders ergiebig sind diesmal die Workshops zu Musikern, die wir im Story-Teil vorstellen: zu Al Di Meola, Jackson Browne und Jesse Harris lesen Sie nicht nur fundierte Portraits und Interviews, sondern können direkt ihre Musik nachspielen. Erwähnt sei schließlich noch KT Tunstalls Akustikballade ‚White Bird‘, zu der es ein komplettes Band-Playalong auf unserer CD gibt.

Sechs höchst unterschiedliche Steelstring-Acoustics haben wir kritisch getestet – von der preisgünstigen VIG Mini Jumbo bis zu Custom-Instrumenten von Heiner Dreizehnter oder dem australischen Hersteller Maton. Einmal mehr ist aufgefallen, dass der starke Marktwettbewerb in allen Preissegmenten zu einem sehr guten Preis-Leistungsverhältnis führt – goldene Zeiten für Gitarristen auf der Suche nach einem passenden Instrument. Für den besonderen Geschmack haben wir uns für Sie ergänzend eine Resonatorgitarre von Regal angehört, außerdem eine Ortega ENylonstring, einen bundlosen Akustikbass, zwei Klassikgitarren und die potente Preamp-Schaltzentrale PZ-Pre von Tonebone.

Als sich die beiden Holländer Jan van Veen und Jaap Kaiser bei uns meldeten und ihr Projekt Miniatur Martin D-35 vorstellten, waren wir spontan begeistert. Ab S. 84 können Sie in Wort und Bild nachvollziehen, wie ihr originalgetreues Mini-Modell einer Martin D-35 entstand, das mittlerweile einen verdienten Platz im Martin-Museum eingenommen hat.

Viel Spaß mit dieser Ausgabe wünschen Ihnen
Andreas Schulz & Stefan Woldach

Von Jens Hausmann

Al Di Meola Ob er nun tatsächlich der schnellste Gitarrist der Welt ist oder nicht: Seit den Siebziger Jahren zählt er zu den weltweit populärsten Gitarristen des Jazz-Rock. Mit seinem Projekt „World Sinfonia“ zeigt sich Mr. Meola von einer anderen Seite.

Nach dem Karriereeinstieg in der Band von Chick Corea hat Al Di Meola mit Paco de Lucia und John McLaughlin an einem berühmt gewordenen Freitagabend in San Francisco allen Gitarrenliebhabern ein Konzert von legendären Ruf geschenkt. Seither greift der scheinbar alterslose Virtuose immer häufiger zur akustischen Gitarre. Sein Repertoire hat sich dabei zugunsten von zeitgenössischen Komponisten wie Astor Piazzolla in Richtung Tango und Weltmusik verschoben. Eine Entwicklung, die sich mit seinem ersten World Sinfonia-Projekt Anfang der Neunzigerjahre nachvollziehen lässt und die nun in der Arbeit mit Orchester eine logische Konsequenz findet. Nach dem umjubelten Dortmunder Konzert mit den Internationalen Symphonikern unter Maestro Arkady Berin trafen wir auf einen gutgelaunten Solisten.

Herzlichen Glückwunsch zu einem wunderbaren Konzert.

Al Di Meola: Danke. Gerade nach so einem Abend würde ich mir wünschen, dass das häufiger gelingt; heute lief es hervorragend. Jahrzehntelang konnte man Al Di Meola mit Band erleben, insofern war das schon ein besonderes Event mit einer solch hochkarätigen Besetzung. Das öffnet mir die Türen zu neuem Publikum, ist Inspiration und musikalische Herausforderung gleichermaßen.

Auf der Bühne kam ausschließlich deine Conde zum Einsatz, wie auch auf dem aktuellen Album. Haben die spanischen Nylonsaiten deine Ovation Steelstring abgelöst?

Man könnte fast sagen, es ist ein Aufstieg, die Conde zu spielen. Eine große Umstellung auf alle Fälle. Sie ist schwerer zu spielen, aber belohnt mit einem reichen und komplexen Klangbild. Genau das, was ich für diese Musik brauche, ob mit oder ohne Orchester. Von Zeit zu Zeit vermisse ich meine Ovation, aber ich glaube, das, was ich jetzt gespielt habe, hat wunderbar funktioniert. Mit der Ovation habe ich auch mehr mit Effekten und Elektronik gearbeitet. Das ist gefährlich, denn mit Elektronik schafft man auch Distanz und rückt damit weiter weg vom Herzen der Hörer. An der Conde fasziniert mich der pure, direkte Ton. Sie braucht keine Elektronik, sie hat auch so schon all die Schönheit, die sie braucht.

Das erste Set war mit Orchester und Band, das zweite dann ohne Orchester, wie auf der CD. Kannst du etwas zu den Unterschieden in der Arbeitsweise sagen?

Im Laufe der Zeit komme ich mit der Situation im Orchester immer besser zurecht. Anfangs war ich sehr nervös. Mein musikalischer Ausdruck kommt dem Angestrebten immer näher, ich fühle mich damit inzwischen wohl. Auf der einen Seite bringe ich rhythmische Freiheiten und Improvisation in die zeitgenössische klassische Musik, andererseits nähert sich meine eigene Kompositionsweise mit mehr Gegenbewegungen in den Stimmen diesem Überschneidungsfeld.

Wie gehst du an Stücke von Barrios oder Piazzolla heran, wenn du sie bearbeitest?

Jeder Takt hat seine eigene harmonische Grundlage. Sobald die klar ist, hat man die Basis für Improvisation und Interpretation. Wir versuchen, die improvisierten Linien wie einen Bestandteil der Komposition klingen zu lassen; das war heute Abend besonders bei ‚Verano Porteño‘ eine spannende Sache. Der Dirigent Arkady Berin hatte es vorgeschlagen, unter anderem wegen des wunderbaren Solos der Geigerin Eugenia Gelen. Es erfordert viel Erfahrung, um geschmackvoll damit umgehen zu können.

(ab Seite 44 in Ausgabe 2/09)

Von Michael Lohr

Jackson Browne So stellt man sich wohl ein Paradies vor: ein geräumiges Haus im schönen Neckartal, darin liberale Atmosphäre, regelmäßige Partys mit Live-Musik, vom Hausherrn organisiert, manchmal sogar mit Berühmtheiten. „Auch Django Reinhardt hat bei uns zu Hause gespielt“, weiß Jackson Browne.

1948 in Heidelberg geboren, als Sohn eines Journalisten der US-Army-Zeitung „Stars And Stripes“ ist er, als seine Eltern zwei Jahre später in die USA zurückkehren, noch zu jung für eigene Erinnerungen an die Zeit in Germany. Doch die Aufgeschlossenheit seiner Eltern und deren Faible für Kunst in Wort und Ton erlebt er in seiner Kindheit und Jugend in Kalifornien. Bücher und Musik füllen das Haus, es gibt ein Klavier, Gitarren, eine Mandoline, sogar eine Pfeifenorgel. Als beide Eltern später Englisch unterrichten, besitzt insbesondere der Vater jene coole Autorität, die selbst dem härtesten Straßenkind Respekt abnötigt und Freude an Bildung vermittelt: „Schon allein, dass er Jazz machte, ließ ihn als hippen Typ rüberkommen.“ Der Sohn soll mit sieben oder acht Trompete lernen, interessiert sich aber viel mehr für die Gitarre.

Mit etwa 13 fängt er an zu lernen, autodidaktisch und von Freunden: „Jeder damals konnte irgendetwas auf der Gitarre spielen. Jemand sang ‚Walk Don’t Run’, und schon wurde die Gitarre herumgereicht.“ Als er sich zur Zeit des Folk-Booms für sein Fingerpicking und Flatpicking etwas von einem breitschultrigen Gitarristen mit Cowboy-Hut abschauen will („ein toller Lehrer, der alles konnte, E-Gitarre, aber auch Travis-Picking wie der Teufel“), sagt der nur: „Dann kratz mal dein Taschengeld zusammen für eine Unterrichtstunde!“ Heute wünscht sich Browne, er wäre damals fleißiger oder weniger geizig gewesen „Wenn ich auf dessen Knien hätte aufwachsen können, wäre ich ein wesentlich besserer Gitarrist geworden.“ Etwas später gibt er selbst Gitarrenstunden; seinen Schülern bringt er beliebte Folksongs oder aktuelle Radio-Hits bei, die er selbst abgehört hat.

Irgendwann beginnt Browne sogar, den Jugendlichen seine eigenen Songs beizubringen. „Das Interessante daran: Wenn jemand von dir etwas beigebracht haben will, kommst du von alleine auf ein höheres Niveau. Denn um etwas vermitteln zu können, muss man sich bewusst machen, was man da tut. Diese Bewusstheit führt wieder zu künstlerischem und handwerklichem Wachstum. Insofern habe ich viel gelernt durch meine Schüler.“ Lieder zu schreiben ergibt sich aus Brownes Umfeld fast natürlich. Der Vater komponiert, und von beliebten Folksongs kursieren Dutzende Versionen. „Dadurch verschwimmt irgendwann die Grenze zwischen bloßem Bearbeiten und dem, was man selbst schreibt.“ Immerhin weiß der Junge schon: Lieder werden von Menschen geschrieben, denn „mein Vater hat Lieder immer so angekündigt: ‚Diesen Song haben Johnny Mercer und Hoagy Carmichael geschrieben.’“ Hinzu kommt ein ganz besonderes Erlebnis: „Eine Freundin meiner Schwester ruft an und meint: ‚Ich hab gerade ein Lied geschrieben. Willst du es hören?’ Ich sage ja, sie legt den Hörer beiseite und fängt an. Es war richtig gut, im Doo-Wop-Stil; etwa 1959.“ Nun weiß Jackson Browne: Auch ganz normale Leute können Lieder schreiben, nicht nur die auf einen Sockel gestellten Figuren wie Johnny Mercer, von dem im Hause Browne erzählt wird, dass er ‚Lazybones’ in zehn Minuten geschrieben hätte und eine Million Dollar damit verdiente. Daraus wiederum schließt der junge Jackson: „Man kann mit Sachen, die man sowieso gern macht, tatsächlich Geld verdienen.“

Brownes erste eigenen Stücke singen Freunde, weil er sich für keinen guten Sänger hält. Auf die Idee, selbst aufzutreten, kommt er erst, als er mit Freunden zu einer Open-Mic-Bühne geht und sie abwechselnd singen, was seine Lieblingsbeschäftigung wird: „Ich habe es viele Jahre nicht vermocht, aber in letzter Zeit wieder damit angefangen und dabei gespürt, dass ich mich ins Musizieren überhaupt erst deswegen verliebt habe: Mit Freunden zusammensitzen, ihnen Lieder vorspielen oder ihre eigenen hören, Neues kennen lernen.“ So lernt er vieles. Unter anderem, wie man Chuck-Berry-Songs spielt und zwar vom späteren Eagles-Mitglied und Songwriter Glenn Frey: „Glenn hatte sie von Platten abgehört und spielte sie. Ich kannte diese Lieder aus dem Radio in- und auswendig, aber sie zu Hause im Wohnzimmer von jemandem auf einer Akustikgitarre zu hören, ist etwas ganz anderes.“

(ab Seite 60 in Heft 2/09)

Von Franz Holtmann

Satin Box, Blackwood? Das sind Hölzer, von denen wir hier in Europa noch nicht einmal gehört haben. Bei Maton spielen diese besonderen Tonhölzer aus dem australischen Busch im Bau der High End-Modelle eine tragende Rolle. Mit dem Modell W.A. May zollen die Nachkommen ihrem Gründervater Bill May Tribut.

Maton ist seit einigen Jahren in neuen Fertigungshallen und mit hochmodernem Maschinenpark in einem Vorort von Melbourne beheimatet. Das ist immer noch ganz in der Nähe jener ersten Werkstatt, in der Bill May vor mehr als sechzig Jahren mit dem Gitarrenbau begann. Ihm zu Ehren gibt es nun das Modell W.A. May Custom in limitierter Auflage, denn Hölzer wie Satin Box, das nur in Symbiose mit Victorian Blackwood auftritt, sind selten.

Konstruktion

Bei dem Modell W.A. May Custom handelt es sich formal und von den Abmessungen her um eine Dreadnought. Das Besondere an dieser Gitarre ist neben ihrer Abkunft aus dem Custom Shop (also Handfertigung) die Zusammenstellung der Tonhölzer. Der leicht gewölbte, aus zwei Teilen unverziert gefügte Boden und die Zargen bestehen aus Satin Box, ein optisch schlichtes, aber klanglich vorzügliches Material mit sehr guten Reflektionseigenschaften. Die Decke aus schöner Fichte in AAA-Qualität präsentiert sich mit feiner Maserung, die überdies von seidiger Querzeichnung durchsetzt ist. Das tragende Balkenkreuz macht einen recht robusten Eindruck, aber die kleinen Leisten wurden allesamt von Hand fein ausgearbeitet. Umlaufend sind die Zargenränder mit Streifen von "figured blackwood" eingebunden; die Decke zeigt zudem ein mehrstreifiges Purfling (Inlay). Binding und Zierstreifen finden eine Entsprechung in den Ziereinlagen rund um das Schallloch.

Für den einteiligen Hals kam Victorian Blackwood zum Einsatz, ein Holz aus dem australischen Regenwald, das für einen vollen, warmen Ton steht. Als Griffbrett fand sich Ebenholz von feiner Struktur, in das 21 schlanke und glänzend polierte Bünde sowie kleine Punkte aus Perlmutt zur Lagenkennung eingelassen wurden. Die eigenwillige Gestaltung der leicht abgewinkelten Kopfplatte ist Bill Mays frühen Meisterstücken entlehnt und fällt mit einer Reliefstruktur und der Einlage aus Perlmutt ins Auge. Natürlich gibt es zur Halskorrektur auch einen Stellstab, der durch das Schallloch erreichbar ist. Bill May schaute immer nach vorn, und so hätte auch er für den Einbau des bewährten hauseigenen Pickup-Systems AP5 plädiert, das, eingelassen in die obere Zarge, mit einer ebenso schlicht wie effektiv angelegter Regeleinheit das Instrument fit macht für den unkomplizierten Bühneneinsatz. Die Anschlussbuchse sitzt in der unteren Zarge, nicht im Gurtpin. Optisch tritt die Gitarre eher schlicht an. Das liegt auch an der dünnen, matten Lackierung der hellen Korpushölzer, aber im Detail blitzt gitarrenbauerische Klasse auf, und die Verarbeitung des Custom-Modells ist rundum hochklassig.

(ab Seite 92 in Heft 2/09)

Von Andreas Schulz

Die Besonderheiten, die Heiner Dreizehnter in seinem neuen Modell SJ 15 verwirklicht hat, machen neugierig: Hals aus Palisander, Übergang zum Korpus am 15. Bund, verlängerte Mensur. Eine Small Jumbo auf halbem Weg zur Baritongitarre?
Heiner Dreizehnter arbeitet in Leutkirch und bietet wie viele deutsche Gitarrenbauer an, in Absprache mit dem Kunden ein individuelles Instrument nach vorher genau besprochenen Spezifikationen zu fertigen. Seine Standardmodelle umfassen diverse Steelstrings und Klassikgitarren; einer seiner persönlichen Schwerpunkte ist der Bau von Mandolinen, Mandolas und Bouzoukis.

Konstruktion

Dreizehnters SJ 15 Premium strahlt eine gediegene Eleganz aus. Mit ihrer gleichmäßig und eng gemaserten Zederndecke und dem Korpus aus ostindischem Palisander ist diese Gitarre eine eher dunkle Schönheit. Dazu passt die Mattlackierung, die perfekt ausgeführt wurde. Korpus und Hals haben ein leicht unterschiedliches Griffgefühl; der Hals ist spürbar glatter, was den Erwartungen der meisten Gitarristen entsprechen dürfte. Der Korpus ist mit einem mehrstreifigen Binding eingefasst, das Muninga, Ahorn und Palisander verbindet (Muninga ist ein graubraunes afrikanisches Laubholz). Alle Arbeiten sind vom Gitarrenbauer perfekt erledigt worden, ebenso spürt man die hohe Qualität aller verbauten Materialien.

Verzierung findet man ebenfalls: Die Stegpins aus Ebenholz sind mit einem Perlmutt-Inlay geschmückt. Aus dem gleichen Material besteht das stilisierte Namenskürzel <HD> auf der Kopfplatte sowie die Schalllochumrandung. Lagenmarkierungen gibt es nicht auf dem Griffbrett selbst, sondern in Form kleiner Punkte an der Oberseite der Griffbrettkante. Einzig ein dreieckig verschlungenes Motiv im 12. Bund schmückt das Ebenholzgriffbrett. Heiner Dreizehnter hat an weiteren edlen Materialien nicht gespart und für Steg und Kopfplattenfurnier Riopalisander spendiert. Die Kopfplatte hat eine eigene abgerundete Form, die nicht nur gut aussieht, sondern auch eine annähernd gerade Saitenführung vom Sattel zur Mechanik gewährleistet. Die Tuner stammen von Gotoh: Die verchromten 510-Tuner haben eine Übersetzung von 18:1 (was sehr feines Stimmen erlaubt) und tragen Snakewood-Knöpfe, die perfekt zum Erscheinungsbild der Gitarre passen. Sie arbeiten erwartungsgemäß einwandfrei.

Die eigentlichen Besonderheiten dieser Gitarre haben mit dem Hals zu tun. Er besteht aus ostindischem Palisander, ein Holz, das man eher für den Korpus kennt. Dazu Heiner Dreizehnter: "Durch den Palisanderhals hat die Gitarre ein ausgewogenes Klangverhalten und ein sehr langes Sustain. Der härtere und schwerere Hals hat ein höheres Stehvermögen; auch bei sehr dynamischem Einsatz geht der Ton nicht in die Knie oder überschlägt sich. Weniger Schwingungsenergie der Saite geht im Hals verloren, die Energie wird auf die Decke transportiert, dahin, wo ich sie haben möchte." Dreizehnter verspricht sich also vergrößerten Dynamikumfang bei gleichmäßigem und lange ausklingendem Ton. Zur Materialauswahl gesellt sich die auf etwa 66 cm verlängerte Mensur ("Dadurch ist die SJ 15 Premium gut geeignet für offene Stimmungen, vor allem für tiefe wie DADGAD."). Drittes interessantes Baudetail: Der Hals-Korpus-Übergang liegt am 15. Bund, also einen Bund höher als bei modernen Steelstrings üblich. Heiner Dreizehnter dazu: "Der Halsansatz am 15. Bund erspart für viele Spieler den Cutaway, was optische und finanzielle Vorteile hat."

Der Hals selbst trägt ein Griffbrett mit 21 Bünden und ist mit dem Korpus verleimt. Die Halsbreite von 45 mm am Sattel und 55 mm am 12. Bund kommt Fingerstyle-Zupfern ebenso entgegen wie Plektrum-Spielern. Auch das Profil der Rückseite liegt gut in der Hand und dürfte keinen Gitarristen vor Probleme stell

Von Christian Veith

Schon mal was von Emil Wulschner gehört? Er zählt zu den deutschen USA-Immigranten, deren Namen einen festen Platz in der Historie der Steelstring-Instrumente haben. Sein Haus in Indianapolis gehörte in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu den größten musikalischen Vollsortimentläden des Landes.

Ab den 1890ern produzierten "Wulschner & Son" erstmals Instrumente unter dem Markennamen Regal (engl. für prächtig, majestätisch). In seiner wechselvollen Geschichte wurde der Name häufig verkauft, zeitweilig auch stillgelegt. Die qualitativ besten Zeiten hatte Regal in den Dreißigerjahren des 20. Jahrhunderts, als enge Verbindungen zu National/Dobro bestanden. Seit 1987 werden die Regals als Resophonic-Hausmarke des kalifornischen Instrumentenmultis Saga in Fernost produziert.

Konstruktion

Die Regal RC-2 weist als Duolian-Modell folgende typischen Grundelemente auf: 9,5-Zoll Single-Cone-Resonator mit Biscuit-Steg, Stahlkorpus, F-Löcher in den Schultern. Charakteristisch ist auch die Bodenwölbung, die 2 cm innerhalb der Außenkante markant anhebt. Korpus und Trichterplatte sind außen vernickelt, ansonsten aber schmucklos, also ohne Gravuren. Die Kopfplatte dagegen stellt ihren "königlichen" Anspruch deutlich zur Schau und prangt eigener Tradition folgend in weißer Perlmutt-Optik. Darauf thront das alte grüne Regal-Logo mit der Krone. Den Austritt des Stahlstabes am Sattel ziert eine Abdeckung mit floralem Art-Deko-Muster vor goldglänzendem Hintergrund. Der Hals wiederum ist einfach gehalten – ohne Binding, nur mit simplen weißen Dots zur Orientierung.

Herzstück der Resonator-Konstruktion ist ein Aluminiumtrichter der etwas steiferen Sorte, wie sie in Resophonics dieser Preiskategorie die Regel sind. Dazu gibt es den gewohnten, zum Boden hin zweifach abgestützten Längsbalken. Die Verarbeitung hinterlässt hier, ebenso wie im Außenbereich, einen akurat-sauberen Eindruck. Lediglich der lose herumfliegende Holzklotz, der die Tailpiece-Schraube aufnehmen soll (...).